Музейный маршрут 7 шедевров о Москве

Роберт Фальк – русский авангардист, участник художественного объединения «Бубновый валет», ученик Валентина Серова и Константина Коровина, в своем творческом пути вместивший тенденции сезаннизма, кубизма, неопримитивизма, импрессионизма и экспрессионизма, трансформировал новейшие для того времени европейские творческие течения в собственный уникальный почерк. Особое видение цвета и пространства нашло выражение в неповторимой выразительности работ мастера, где мерцающие бездонные тона создают экcпрессивную и живую атмосферу.

В картине «Церковь в лиловом», на которой изображен храм Ильи Пророка в Обыденском переулке в районе Остоженки, Фальк использует напряженное сочетание цветов, экспрессию линий и сдвиг форм для создания драматичного, тревожного настроения. Красно-розовый силуэт церкви, устремленный в темно-синюю бездну неба; лиловые тона ограды, светло-зеленая листва деревьев с извилистыми ветвями складываются в гармоничную живую структуру. Все это создает некое подобие театральной сцены – обобщенного вида городской улицы, и в то же время выхваченный из потока времени неповторимый момент жизни города.

Картина «Звон. Колокольня Ивана Великого», написанная Аристархом Лентуловым в 1915 году в разгар Первой мировой войны, является одним из знаковых полотен из серии панно, посвященных архитектурным памятникам Москвы. При их создании художник использовал принцип «цветодинамики» с его дроблением цветовых плоскостей, сдвигом формы и вибрирующим созвучием тонов.

Расходящиеся из центра цветные лучи объединяют фон неба с архитектурными плоскостями, разбитыми на фрагменты подобно узорам в калейдоскопе. Синий, розовый, охристо-золотистый, желтый – цветовые плоскости, похожие на лопасти мельницы, обозначают смену времен года, дня и ночи, циклический ход истории, в котором незыблемо пребывает древний храм.

Концентрические окружности гармонируют с рядом закомар и арочными нишами. Извилистые башни и искривленные, шатающиеся формы как будто двигаются в танце под звон колоколов. Сложная композиция гармонизирует с яркой красочностью, свойственной древнерусской архитектуре. Таким образом художник выразил восприятие современным человеком традиционных образов русского искусства.

Одна из самых известных картин Юрия Пименова «Новая Москва», яркий образец соцреализма, была написана в 1937 году для Всесоюзной художественной выставки «Индустрия социализма», где демонстрировались достижения советского искусства.

За рулем кабриолета, едущего по улице Охотный ряд в сторону метро, здания Совета труда и оброны (позже Госплан, сейчас Государственная Дума) художник изобразил свою супругу Наталью, ставшую его любимой моделью и музой. В ней воплощен собирательный образ советской девушки — целеустремленной и современной, двигающейся к светлому будущему. Необычная композиция, подобная кинематографическому кадру, делает зрителя участником действия, вовлекает в путешествие по городу среди исторических зданий и сталинских новостроек.

Аппетитный натюрморт с изображением хлебов написал Илья Машков — один из пионеров русского авангарда, участник объединения «Бубновый валет», московских художников-сезаннистов. Жанр натюрморта играл большую роль в искусстве Машкова, как и у его главного ориентира в живописи Поля Сезанна. Тема хлебов появилась в натюрмортах Машкова еще в 1910-е годы. В 1912 году Машков написал первый «Натюрморт. Хлебы», продолжавший линию «съедобных» картин художника. «Живопись должна идти от желудка», — говорил Машков, имея в виду особую насыщенность цвета, буквальную осязаемость, материальность живописи. «От желудка» впрочем шли и некоторые сюжеты его картин, полные даров природы. Как и многих художников авангарда, Машкова вдохновляла городская живопись ремесленников, рекламные магазинные плакаты. Он и сам в юности зарабатывал, рисуя вывески для торговых лавок. Машков продолжил разрабатывать хлебную тему на протяжении трех десятилетий.

Сегодня сложно себе представить Москву без скульптуры Веры Мухиной «Рабочий и Колхозница», созданной для павильона СССР на Всемирной выставке в Париже 1937 года. Модель этого памятника хранится в Третьяковской галерее. Проект павильона подготовил архитектор Борис Иофан, который выступил и автором идеи скульптуры, вдохновившись античным монументом «Тираноборцы». По проекту Иофана масштабный павильон, напоминающий корабль, должна была увенчать огромная скульптурная группа. Павильон вместе со скульптурой воплощал идею триумфа Советского государства, основанного на союзе рабочих и крестьян. В руках железные гегемоны держали государственную эмблему СССР — серп и молот.

Выиграв конкурс на создание монумента, Мухина в кратчайшие сроки создала модель размером полтора метра, которую затем следовало увеличить в 15 раз. Технология производства скульптуры была поистине уникальной. Тонкие листы хромоникелевой стали выколачивались рабочими лежа на деревянных моделях-корытах «в негативе», а после дорабатывались скульпторами. Затем детали сваривались и крепились на мощный каркас. Изделие повезли в Париж, распиленным на 65 фрагментов и там снова собрали за 11 дней.

Картину праздничной Москвы с салютом на Красной площади создал Борис Иогансон — один из ведущих художников социалистического реализма. Художник учился мастерству в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где его любимым педагогом был импрессионист Константин Коровин. Иогансон до конца дней сохранил интерес к импрессионизму, адаптировав французский стиль к тематике и эстетике советской живописи. Автор хрестоматийных советских картин «Допрос коммунистов» и «На старом уральском заводе», Иогансон был одним из создателей советской жанровой картины, обращенной к традициям передвижничества. Архитектор Николай Томский писал, что «образы коммунистов, созданные Иогансоном, воспринимаются своеобразной эмблемой времени, такой же впечатляющей, как «Рабочий и колхозница» Мухиной».

В годы Великой Отечественной войны Иогансон работал над созданием плакатов и агитационных материалов, создавал эскизы картин на тему борьбы с фашизмом. В конце войны в 1944 году художник написал эскиз «Салют» к будущей масштабной картине «Праздник победы» (1947). Этюд был написан с натуры, чтобы передать все тонкости цветового решения праздничного фейерверка. Художник стремился передать ощущение ликования, надежды на мирную жизнь после окончания самого трагического события в истории страны.