Музейный маршрут 7 шедевров о счастье

Кузьма Петров-Водкин — один из крупнейших мастеров русского авангарда, сочетавший в своем творчестве традицию и новаторство. Вдохновляясь образцами древнерусского искусства, работами мастеров Раннего Возрождения и новыми европейскими течениями символизма и фовизма, художник создал свой неповторимый стиль, характеризующийся выразительной монументальностью, локальным цветом и иконописной графичностью. В своих лаконичных натюрмортах Петров-Водкин создает набор символов, отражающих модель мира художника, творит свой миф и, как выразился искусствовед Дмитрий Сарабьянов, «мечту о красоте».

«Розовый натюрморт», созданный после революции 1917 года, воплощает основную философию мастера, становясь моделью Вселенной, вмещая множество смыслов. Стакан с кристально чистой водой, идеальные фрукты на столе, как бы парящая в воздухе яблоневая ветвь, равномерно ритмичное расположение складок бледно-розовой скатерти — эти элементы исполнены равновесия и совершенства. Обыденные и простые образы обретают космическое символическое значение. Возвышенное звучание усиливают эскизные листы с изображением Богородицы и ангела на синем фоне стены.

Но в спокойной и уравновешенной атмосфере натюрморта нет статики и инерции. Петров-Водкин использует элементы обратной перспективы в изображении поверхности стола и стакана, показывая зрителю предметы сразу с нескольких сторон — сверху и сбоку. Объекты сдвигаются с основ, живут своей жизнью, создаются каждый миг заново и в то же время пребывают в вечности. Игра рефлексов и цветные тени воплощают живую игру и взаимодействие предметов с ясным прозрачным пространством. Чистая вода и свежие фрукты в утреннем свете, образ Богоматери — все эти элементы наполнены глубокой символикой, через которую художник передает неповторимое мгновение, пронизанное тихим счастьем, основанном на простых и извечных ценностях.

Картина находится в Зале №1.

Аркадий Рылов, ученик Архипа Куинджи, петербургский анималист и пейзажист, академик живописи, представлявший в «Союзе русских художников» линию петербургского пейзажа, вынашивал идею своего знаменитого полотна «В голубом просторе» несколько лет. Во время поездки на Каму в 1911 году он был так впечатлен полетом стаи лебедей, что по мотивам увиденного написал картину, ставшую символом переломной эпохи революции. Известный искусствовед Алексей Фёдоров-Давыдов начинал с пейзажа «В голубом просторе» отсчёт истории советского искусства и писал, что в этой картине Рылов выразил «свое личное жизнерадостное состояние».

Созданное в 1918 году полотно «В голубом просторе» было с успехом показано на 1-й Государственной свободной выставке произведений искусства в Петрограде и традиционно начинало экспозицию советского искусства в Третьяковской галерее. Первые революционные картины начали появляться только в 1920-е годы, так что работа Аркадия Рылова, написанная в 1918 году, была одной из первых и воспринималась как гимн нового социалистического мира, устремленного в светлое и свободное будущее.

Художник использует приемы романтического пейзажа для создания ощущения радости и возвышенного настроения. На фоне ярко-синего неба и кучевых облаков изображены летящие над морем лебеди. Взгляд скользит от переднего плана вдаль, охватывая всю картину целиком, вовлекая зрителя в это стремительное движение. Сдержанный бело-синий колорит картины с охристыми пятнами заснеженного берега передает суровую северную атмосферу. Художник выбирает лаконичные символы для создания ощущения свободы, мечты о дальних странствиях и безграничного движения: сильные дикие птицы, корабль с надутыми парусами, скалистая суровая земля, освещенная яркими солнечными лучами. Бесконечное пространство раскрывается перед взором зрителя, где, по словам А.А. Фёдорова-Давыдова, царит «ощущение вырвавшейся на свободу жизни, радостного рождения светлого, нового мира».

Вы можете посмотреть картину в Зале №17.

Павел Варфоломеевич Кузнецов — русский живописец, график и театральный художник, ученик Валентина Серова, Константина Коровина и Абрама Архипова. Он входил во многие актуальные художественные объединения Серебряного века, в частности «Мир искусства», «Союз русских художников», «Четыре искусства» и был лидером движения «Голубая роза». Огромное влияние на Кузнецова оказали Виктор Борисов-Мусатов и символизм начала ХХ века, а также художественные системы современных французских мастеров — Анри Матисса, Пабло Пикассо, Жоржа Брака, Андре Дерена.

Индивидуальная живописная манера художника характеризуется тонкой светящейся палитрой оттенков, условным обобщением образов и символическими сюжетами. Такой художественный строй сложился еще в начале творческого пути Павла Кузнецова и утвердился в его работах, созданных после поездок в Среднюю Азию. После путешествия в Крым и на Северный Кавказ переливы цветовых тонов, простые, но ирреальные сюжеты, обогащенные ритмикой и поэзией Востока, сочетание декоративности и изысканной фантазийности дополняются глубиной пространства.

В 1920–1930-е годы сюжеты картин Кузнецова меняются, художник обращается к теме труда и спорта. В его работах, по словам самого художника, доминирует «коллективный пафос монументального строительства, где люди, машины, животные и природа сливаются в один мощный аккорд». На картине «Пушбол», которая является ярким образцом этого творческого периода Павла Кузнецова, группа спортсменов держит на поднятых руках огромный мяч, образуя цельную и уравновешенную композицию. Условность в изображении людей, мягкость цветов и сдержанные прозрачные оттенки, характерные для творческого метода мастера, проявляются и в этой работе. Энергичное движение передано ритмическим чередованием черных, белых и красных цветов спортивной формы игроков. Руки спортсменов, написанные теплыми охристыми оттенками на голубом фоне, благодаря цветовому контрасту усиливают динамику. Вся композиция разворачивается на условном фоне подобно живому цветку, устремляющемуся вверх, и венчается красным мячом, который, несмотря на свой внушительный размер, кажется невесомым. Живое движение, энергия игры, коллективное действие увлеченных единым порывом игроков на этой жизнеутверждающей картине воспринимаются как гимн молодости и легкости, захватывая и зрителя в радостный вихрь.

Работа находится в Зале №16.

В 1940–1950-е годы классик соцреализма Федор Решетников создал несколько произведений на школьную тему. Самой первой стала картина «Прибыл на каникулы», изображающая радостную сцену приезда юного суворовца домой на новогодние праздники. Глаза мальчика светятся счастьем, когда он отдает честь встречающему его дедушке. Суворовцу улыбается и сестренка, изображенная на дальнем плане. Новогодняя елка, украшенная светящимися гирляндами, создает праздничную теплую атмосферу в картине.

Несмотря на то что главный герой стал примером для подражания для советских детей, куда большую популярность получила вторая работа — «Опять двойка!», по которой миллионы школьников до сих пор пишут сочинения. Обе картины сейчас находятся в коллекции Третьяковской галереи. Третью работу — «Переэкзаменовка» — можно увидеть в Горловском художественном музее. Художник остроумно связал все три произведения, изобразив за спиной незадачливого ученика репродукцию полотна «Прибыл на каникулы», а в «Переэкзаменовке» — картину «Опять двойка!».

За работу «Прибыл на каникулы», а также полотно «Генералиссимус Советского Союза И.В. Сталин» Решетников получил Сталинскую премию, высшую государственную награду той эпохи. Жизнь картины продолжилась в наши дни — в 2013 году на территории Санкт-Петербургского суворовского военного училища был открыт памятник учащимся и выпускникам, созданный по мотивам полотна.

Картину можно увидеть в Зале №25.

На картине «Утро» художница Татьяна Яблонская изобразила свою старшую дочь Елену, которая делает утреннюю зарядку. Образ юной пионерки рождал ощущение счастливого будущего, важного для искусства соцреализма. Солнечный свет, заливающий комнату, создает ощущение радости и надежды на счастливую жизнь. Картина была написана в 1954 году, когда страна вступила в новый исторический период, названный оттепелью.

Впрочем, полные солнца картины появлялись в искусстве Яблонской и ранее. Уже в полотне «Хлеб» (1949), которое принесло ей известность и государственную премию, были изображены колхозницы, собирающие урожай под палящими солнечными лучами. Однако в полотне «Утро» у Яблонской появляются более камерные интонации — перед нами разворачивается картина счастливой частной жизни, где ласковое солнце заряжает радостью и энергией главную героиню. Юная девушка с поднятыми вверх руками напоминает птичку, которая того и гляди улетит в распахнутое окно. Картина получила большую известность, вошла в золотой фонд советской живописи и была приобретена в коллекцию Третьяковской галереи.

Картина находится в Зале №25.

«Свежий день» — одна из ключевых картин Владимира Гаврилова. Художник принадлежит к поколению, творчество которого определило искусство 1950–1960-х годов. В своих работах Гаврилов часто обращался к военной теме — в юные годы он служил в качестве военного художника Студии военных художников имени М.Б. Грекова. Побывав на многих фронтах, он прошел через Великую Отечественную войну до самой победы.

Но картина «Свежий день» стала абсолютным воплощением мирной жизни. Художник учился в Суриковском институте в мастерской Сергея Герасимова, одного из флагманов советской живописи, от которого Гаврилов унаследовал свободную импрессионистическую манеру. В картине «Свежий день» эта живописная легкость чувствуется особенно — широко положенные светоносные мазки придают картине внутреннюю динамику. Благодаря импрессионистической технике живо переданы колыхание юбки и платка под порывами ветра, бегущие волны, солнечные блики, пронизывающие всю картину. Произведение приобрело большую популярность и было награждено золотой медалью Всемирного фестиваля молодежи и студентов, прошедшего в Москве в 1958 году.

Работу можно увидеть в Зале №29.

Вторая половина ХХ века ознаменовалась исполнением заветной мечты всего человечества — выходом в космическое пространство. К 1980-м годам многие страны вели свои космические программы, отправляя пилотируемые и автоматические космические аппараты в космос. Первенство в этом направлении удерживали СССР и США. Советская космическая программа стремительно развивалась, привлекая к взаимодействию ученых из множества стран, превращая космос в арену международного сотрудничества.

Картину Юрия Королева «Космическое братство» можно считать гимном освоению космоса отважными исследователями. Это групповой портрет четырнадцати участников международной космической программы «Интеркосмос» из стран социалистического содружества. Группа космонавтов в белоснежных скафандрах изображена на фоне ясного, почти безоблачного неба, символизирующего открытый и гостеприимный космос, обещающий исследователям новые горизонты. Космонавты заняты живым общением, улыбаются, жестикулируют и активно взаимодействуют друг с другом, кажется, что они обсуждают недавнее космическое путешествие.

Художник применяет разнообразные композиционные и пластические приемы для создания сильных героических характеров и энергичных образов. Участники международных космических экипажей изображены в свободных и непринужденных позах, но тщательно продуманная композиция с разнообразными ракурсами и поворотами фигур напоминает пружину и создает ощущение динамики.

Низкая линия горизонта возвышает фигуры космонавтов над зрителем, придавая их образам монументальность и героическое звучание. Они подобно рыцарям в технологичных и современных доспехах, исполнены внутренней силы, собранности и отваги на неизведанном пути первооткрывателей и покорителей космического пространства, осуществляющих великую мечту человечества и прокладывающих путь к всеобщему счастью.

Сохраняя портретную индивидуальность, темперамент и настроение каждого из космонавтов, Юрий Королев изображает представителей разных народов, объединенных общей целью, связанных дружбой, прошедшей испытание опасным и трудным делом, имеющим неоценимое значение на пути развития цивилизации.

Картину можно увидеть в Зале №36.