Экскурсия Выставка «Василий Поленов»

Мы с вами на выставке Василия Поленова, выдающегося русского художника второй половины XIX века — первых десятилетий XX века. Вы, конечно, знаете его как замечательного пейзажиста, однако мы хотели показать Василия Дмитриевича как художника-универсалиста. Он был и пейзажистом, и историческим художником, и портретистом, и жанристом. Кроме того, он писал музыку. Возможно, именно поэтому его живопись столь музыкальна.

Наша выставка позволяет окунуться в богатый, очень насыщенный художественный мир Василия Поленова и познакомиться с его работами в разных областях искусства: и в живописи, и в архитектуре, и в театре. Но говорить мы будем не только о Поленове как художнике, но и Поленове как человеке — его личность была необыкновенно важна для развития русской культуры.

Наша экспозиция построена так, что можно легко перейти от одной темы творчества художника к другой, не теряя при этом связи с хронологией его жизни. На экскурсии речь пойдёт об основных произведениях Василия Дмитриевича Поленова.

Наша экспозиция начинается с картины «Московский дворик». В своё время эта картина была очень… неожиданной. Поленов, отправляя её в 1878 году на передвижную выставку, извинялся перед Иваном Крамским за то, что даёт такую необычную и «нестоящую» вещь. В полотне действительно сквозит изумление художника перед открывшимся ему пейзажем. Василий Дмитриевич написал вид из окна съёмной квартиры — жил он во флигеле в одном из арбатских уголков, первоначальный вариант картины так и назывался — «Арбатский уголок». Поленов поселился недалеко от Кремля, потому что задумал писать картину «Пострижение негодной царевны» и ему нужны были этюды Кремля. И вот Поленову, жителю Петербурга, вдруг открылся дворик, по которому гуляют куры, дети сидят на траве. Существование такого пейзажа, возможность вообще существования его в ентре Москвы совершенно поразила художника.

В этом пейзаже есть ощущение детского восприятия окружающей жизни — и в то же время художник даёт исторический облик Москвы. Композиция картины при всей кажущейся хаотичности, непосредственности построена очень сложно, она точно выверена. Поленов приближает к зрителю архитектуру церкви с колоколенкой, и она становится такой доминантой в пейзаже. На заднем плане — повторение этого же ритма: церкви, колокольни, усадебного дома. И у зрителя возникает представление, что Москва вся такая: добрая, наполненная светом и радостью.

Благодаря «Московскому дворику» в русскую живопись входит пленэр — и тут важно отметить, что для Василия Дмитриевича пленэр не просто «упражнения», «тренировка мастерства» на открытом воздухе, но и возможность наиболее точно передать свои ощущения, свои впечатления от окружающей природы.

Перед вами первоначальный этюд, вариант, тот дворик, который увидел Поленов из своего окна флигеля усадьбы. Сравнивая первоначальный этюд с окончательной версией картины, мы видим работу художника по созданию пейзажного образа. И главная идея этого образа — радость обыденного, счастье просто жить в гармонии с окружающим миром. Идея такой гармонии благодаря Василию Поленову входит в русскую живопись. 

Картина «Бабушкин сад», вероятно, написана одновременно с «Московским двориком», хотя на передвижной выставке была представлена годом позже (кстати, именно поэтому работа датирована 1879 годом).

Здесь совершенно иная атмосфера, нежели в «Московском дворике». Затронута тема, которая вошла в русское искусство благодаря Василию Поленову и которая спустя десятилетия станет очень распространена. Речь, конечно же, об усадебной жизни. Василий Дмитриевич хорошо знал быт и нравы дворянской усадьбы.

Отдавая эту картину на выставку, художник извинялся, что пейзаж вышел «несколько чёрен, поскольку написан с натуры». Позже Поленов будет точно учитывать это изменение, потемнение красок от времени и писать ярче, чем есть на самом деле. И своих учеников он будет учить делать живопись гораздо ярче, гораздо светлее, чтобы она впоследствии звучала именно так, как это видел художник в натуре. Но это будет потом, а в 1878-м Поленов сам видит, что пейзаж получился «несколько чёрен», темнее, чем живописец видел.

Вместе с «Московским двориком » и «Бабушкиным садом» «Заросший пруд» образует своеобразную лирико-философскую трилогию. «Заросший пруд» был показан одновременно с «Бабушкиным садом» на выставке передвижников — через год после «Московского дворика». В этой картине хорошо видна такая тема, как уход от действительности в мир природы. Эта тема тоже впервые входит в русское искусство с творчеством Поленова. Позднее она будет очень распространена в живописи следующего десятилетия — в творчестве младшего поколения передвижников, прежде всего Михаила Нестерова. Здесь тихая красота заброшенного парка или сада перекликается с настроением одиноко сидящей на скамейке молодой женщины. И это производит особый эффект на зрителя.

С этими тремя произведениями Поленов буквально ворвался в русское искусство. 

Как исторический живописец, то есть художник, закончивший Академию художеств с Большой золотой медалью по классу исторической живописи, получивший право на пенсионерскую (оплачиваемую Академией) командировку, Поленов, естественно, должен был привезти из пенсионерства произведения исторического жанра. И он действительно берётся за самые разнообразные сюжеты, но заканчивает только два полотна — «Право господина» и «Арест гугенотки».

Поленов многому научился во время пенсионерства — в первую очередь освоил новейшие достижения западноевропейской пейзажной живописи.

«Право господина» — сюжет, который художник задумал в Германии, бродя в старинных замках полуразрушенных. Ему вспомнилось право первой ночи, которое было во время феодализма. Эту работу по рекомендации Ивана Крамского приобрёл Павел Третьяков. Это первая картина Поленова в собрании мецената, позднее Третьяков приобрёл множество произведений художника.

Василий Поленов чувствовал свою «недостаточность» и считал, что ему нужно многому научиться. По совету Алексея Боголюбова, который опекал русских художников за границей, Поленов вместе с Ильёй Репиным поехал на север Франции, в Нормандию. Художники поселились в одном домике и написали массу замечательных этюдов.

Вот, например, «Рыбацкая лодка. Этрета». Здесь Поленов точно передал, с одной стороны, бытовой момент жизни рыбаков, а с другой — красоту этой местности, воздух, напоённый запахом моря. Художник проявил качества не только пленэриста, но и декоративиста — в той точности, в которой он выразил абрис этой лодки на фоне скалы, в цветовых отношениях, во всей слаженности этого этюда.

И другой этюд — «Белая лошадь» на фоне белой стены. Совершенно другая задача — не потерять материальность предмета. Довольно сложная задача, с которой Поленов справился блестяще. Художественный критик Владимир Стасов писал, что «такую прелесть», как эта работа, он всегда хотел бы иметь перед глазами. Стасов также укорял Поленова в это время в изящности, которая, как он считал, не должна быть свойственна русскому художнику, в рафинированности, «французенстве». 

Вскоре после возвращения из пенсионерской командировки Поленов ушёл добровольцем на Сербо-черногорско-турецкую войну. Участник боевых действий, он награждён медалями, орденами. Василий Дмитриевич отправил в журнал «Пчела» дневник добровольца вместе со своими рисунками. Это в основном сцены жизни, этнографические типы. Такие же сцены, такие же типы он создал и во время второй своей поездки на фронт, когда был приглашён цесаревичем Александром Александровичем (будущим императором Александром III) в качестве художника при ставке. Почему Поленов выбрал именно эти, «негероические» сюжеты? Потому что сцены изуродования и смерти, как признавался живописец, столь ужасны, что совершенно невозможны для художника. 

Уже к концу пенсионерской поездки Поленов задумал написать картину «Пострижение негодной царевны». Он даже просил из Парижа своё начальство академическое разрешить досрочно вернуться в Россию. В конце командировки Поленов писал родным, что перепробовал самые разные роды живописи — и историческую, и натюрморт, и пейзаж, — но ближе всего ему пейзажно-бытовой жанр. Никогда ещё Поленов не был так близок к пониманию своего истинного дарования, как в этом письме. Тем не менее он пробовал себя и как батального живописца и задумал большое историческое полотно.

Именно для создания «Царевны» Поленов переехал в Москву. Савва Мамонтов писал ему, что Москва может дать очень много материала для настоящего художника. И действительно, Василий Дмитриевич каждый день отправлялся в Кремль для написания этюдов. Эти этюды вошли в историю русского искусства — их приобрёл Павел Третьяков. Именно в этих работах проявился уже в полную меру дар Поленова-пленэриста — его соборы, терема живут в световоздушном пространстве. 

Архитектурные мотивы ещё с академической поры занимали Поленова. Мы знаем много его произведений, где архитектурные мотивы играют очень важную роль. Так что неудивительно, что он брался и за саму архитектуру.

В августе 1882 года произошло венчание в абрамцевской церкви Василия Поленова и Натальи Якунчиковой, двоюродной сестры Елизаветы Мамонтовой, хозяйки усадьбы Абрамцево. Савва Мамонтов подарил молодым домик, который и по сей день носит название Поленовская дача, и какое-то время Поленовы жили там. И всё-таки Василий Дмитриевич хотел не просто дом, усадьбу для своей семьи, но и сделать музей, который бы стал центром художественно-просветительской деятельности. Обменяв земли, Поленов начинает строительство большого усадебного дома по собственному проекту. Позже он построит для себя мастерскую — уединённое место для работы — и назовёт её Аббатство. На выставке можно увидеть эскизы будущего дома и Аббатства.

Так возникла ныне широко известная Поленовская усадьба. Она построена в едином стиле. Сам Поленов называл этот стиль скандинавским, но правильнее было бы назвать его «поленовским». Это яркий образец русского модерна. Интерьеры тоже сделаны по проекту Поленова, равно как и мебель, то есть всё в доме представляет собой образец вкуса художника, его художественных предпочтений. В усадьбе отразились все ипостаси творчества Поленова: живопись, архитектура, музыка, театр, декоративно-прикладное искусство. 

Теперь мы перейдём к одному из больших увлечений Поленова — театру.

Одним из центральных спектаклей Абрамцевского кружка был спектакль по пьесе Саввы Мамонтова «Алая роза». Декорации к нему сделал Поленов. В них можно видеть, как пленэризм художника приобрёл на сцене театральную окраску. Василий Васнецов, увидев декорации Поленова к другому спектаклю — «Два мира», — был потрясён тем, как художник работает с цветом, как цветом воздействует на зрителей.

Поленов привлёк к театру и своих учеников. На основе уже довольно обширного театрального опыта Савва Мамонтов в 1885 году открыл свой театр — Русскую частную оперу, где ученики Поленова работали наряду с ним самим и с Васнецовым. Одним из столпов театральной декорации стал Константин Коровин.

А начиналось всё в домашнем театре Абрамцевского кружка. Для этого театра Василий Поленов оформил несколько спектаклей, да и вообще сделал очень многое. Он был просветителем — читал лекции актёрам по эпохе, о которой шла речь в том или ином спектакле. Можно сказать, Поленов стоял у истоков развития нового русского театра — и оперного, и драматического.

Мы с вами в разделе, который представляет живопись Поленова 1870–1880-х. Одна из ранних работ, представленных здесь, — «Сахарная гора зимой». Это пейзаж, написанный на реке Аять. Здесь художник впервые познакомился и с укладом народной жизни, и с северной архитектурой жилой. Позже он писал о том, что мотивы, увиденные им в Имоченицах, использовались им в течение всей жизни.

Здесь мы видим и абрамцевские пейзажи — вот река Боря. Природа Абрамцева той поры осенней соответствовала состоянию души художника. Именно здесь возникают два типа пейзажа — это речка, взятая с высокого горизонта, и такие интимные уголки пейзажные. В Абрамцеве люди «уходят» из пространства полотна — остаётся только высокий строй пейзажа, романтический дух этих пейзажей.

Вот картина «Осень в Абрамцеве». Для центральной части этой работы использован этюд начала 1880-х. Центр полотна сохраняет некое печальное настроение этюда, написанного в осеннюю пору и также связанного с печальными событиями в жизни семьи художника. Но в целом настроение пейзажа совершенно иное — печаль центральной части как бы растворяется в разнообразии красок золотой осени. Работа звучит торжественным хоралом с особой ритмикой. Критики отмечали некий романтизм в работах Поленова — и здесь мы видим совершенно реалистический пейзаж, наполненный этим задумчивым настроением.

Схожее настроение и в картине «Больная» 1886 года. Эта работа связана с несколькими печальными событиями в жизни художника. На него очень сильное впечатление во время пенсионерской поездки произвела судьба студентки, приехавшей в Германию учиться, заболевшей там туберкулезом и не имевшей возможности выехать назад, на родину. Поленов помогал ей. Её смерть произвела на художника очень сильное впечатление, тогда же он сделал несколько эскизов. Позже Поленова потрясла ещё одна смерть — его сестры-близнеца — Веры, с которой живописец был очень близок. После смерти Веры он и написал эту картину. Здесь ясно ощущается наступление смерти, необратимость смерти, беспомощность перед этой необратимостью, беспомощность и чувство несправедливости. Это ощущение во всём: в колорите картины и — особенно — в глазах девушки, измученной болезнью. Постепенно взгляд зрителя смещается в левую часть картины, где Поленов изображает изумительный натюрморт, благодаря чему создаётся такая удивительная гармония. Очень точно ощущается мировосприятие художника, потому что без этой красоты и печали не было бы и гармонии жизни. Найти такое разрешение печали можно только в красоте, через погружение в красоту.

Особенно чуткой к красоте живописи Поленова была художественная молодёжь 1880–1890-х годов. С 1882 по 1895 год Василий Дмитриевич преподавал в Московском училище живописи ваяния и зодчества — вёл класс пейзажа и факультативно натюрморты. Он передавал молодым художникам своё отношение к изображению природы и к живописи вообще, делился секретами мастерства. Он первый познакомил их с искусством импрессионистов. Поленов установил очень дружеские, непосредственные отношения со своими учениками, они бывали у него в гостях. Проводились в доме Поленова и рисовальные вечера, в которых участвовали не только его ученики, но и друзья-художники. Эта совместная работа имела очень большое значение. 

Нельзя не сказать о евангельской теме в творчестве Василия Поленова.

Мы начинаем наш рассказ с работы, за которую живописец получил Большую золотую медаль в Академии художеств — «Воскрешение дочери Иаира». Работы на эту тему писали одновременно Поленов и Репин. Оба художника получили Большие золотые медали, оба отправились в пенсионерскую заграничную командировку.

В этой картине можно видеть, как Поленов, стремясь выразить образ Христа, следует за другим художником — Александром Ивановым. И всё-таки проскальзывают собственно «поленовские» чёрточки — это большое внимание к предметам быта времени Иисуса Христа, к обстановке того времени и к психологическому состоянию персонажей картины.

Ещё в 1860-е, во время учёбы в Академии художеств у Поленова возник замысел картины «Христос и грешница». Однако этот замысел отошёл на второй план, за его воплощение художник взялся только в начале 1880-х. В качестве подготовки он отправился в путешествие на Ближний Восток, где написал целую серию совершенно изумительных этюдов — пейзажи тех мест, архитектуру… Ему было очень важно изучать пластику архитектурную, взаимодействие архитектуры и воздуха. Все эти тонкие моменты он прекрасно уловил в своих этюдах, которые словно наполнены тёплым воздухом. Эти пейзажи оживают в его этюдах совершенно замечательным красочным сочетанием. Поленов показал эти этюды на передвижной выставке 1885 года — впервые в русском искусстве были представлены не законченные произведения, а этюды, то есть зрители увидели «кухню художников».

В конце своего путешествия Поленов побывал в Греции. Здесь он создал этюды «Парфенон» и «Эрехтейон». Вообще Греция вошла в жизнь художника с раннего детства. Его отец служил в миссии в Афинах, в доме были многочисленные альбомы, артефакты, и Поленов, конечно, очень хорошо чувствовал искусство Эллады. В этих этюдах он выразил своё восхищение красотой античного мира, его гармонией, его архитектурой и скульптурой. 

В 1887 году перед зрителями предстало законченное полотно Василия Поленова «Христос и грешница». В сюжете этого полотна — противодействие охваченной гневом толпы, влекущей грешницу, и Христа, размышляющего с учениками о каких-то глобальных проблемах. Христос предстаёт у Поленова обычным человеком, странником.

Картина «Христос и грешница» произвела огромное впечатление, хотя и вызвала противоречивые отклики. Многие почувствовали главное в этом произведении — зло не может совершаться среди красоты этой природы, этой архитектуры, то есть красота и добро должны были победить безусловно.

Во время работы над картиной «Христос и грешница» Поленов писал, как для него мучительны поиски образа Христа. Ему хотелось выразить величие духа этого человека, величие личности, сохранив образ простого земного человека. И это была поистине трудная задача.

После «Христа и грешницы» Поленов написал полотно «Христос на Генисаретском озере», более известное под названием «На Генисаретском озере». Действительно, по берегу озера идёт простой путник, глубоко задумывавшийся человек, но красота окружающей природы не оставляет сомнения — происходит что-то величественное, необыкновенное.

Вероятно, уже во время работы над картиной «Христос и грешница» Поленов решил создать цикл произведений о жизни Христа. В 1899 году Поленов совершил второе путешествие на Ближний Восток и снова привёз оттуда в основном пейзажные этюды.

Работа над циклом «Из жизни Христа» началась сразу после 1899 года — Поленов писал всевозможные события, связанные с евангельской историей, не забывая, однако, и о природе. Один из его учителей так отзывался о евангельском цикле: «Здесь чистота Христа связана с красотой природы». 

Какие бы идеи ни посещали Василия Поленова, пейзаж как цельная картина мира всегда стоял перед его мысленным взором. Погрузиться полностью в пейзажное творчество художник сумел, когда поселился на Оке. В самом конце 1880-х он приобрёл усадьбу, где построил небольшой дом, в котором жил с 1890 года. Перед вами один из первых пейзажей этого периода — «Ранний снег». Сочетание ещё тёплой земли, ещё не опавших листьев, но уже выпавшего снега так захватило Поленова, что он сразу же написал этюд, а потом уже несколько вариантов картины.

В 1906 году Поленов возвёл церковь Святой Троицы взамен уже обветшалой деревянной церкви. Строил по своему проекту и в основном на свои средства. Экспозиция этого зала заканчивается картиной «Вид на Тарусу», это дневной пейзаж.

***

Поленов всю жизнь стремился быть полезным людям — это видно и в его многочисленных художественных начинаниях, и в его живописи, и в его архитектурных опытах, и в его работе с театром, и в его педагогической деятельности. Везде, во всём творчестве художника заметно это стремление приносить людям счастье и радость.

Делайте жизнь немного счастливей!