Выставка «Русская сказка. От Васнецова до сих пор» — необычный способ оказаться внутри сказки. Кураторы «Сказки» задумали и решились на настоящий художественный эксперимент. Опираясь на привычные образы, созданные художниками прошлых столетий, команда проекта предложила по-новому взглянуть на сказку и, более того, погрузиться в неё.
Произведения Виктора Васнецова, Михаила Врубеля, Ивана Билибина и чуть менее известные графические работы Елены Поленовой — это не только опорные точки выставки в Третьяковке, но и семена, из которых выросли наши представления о том, как выглядят фольклорные персонажи.
Золотой век сказки в русском искусстве пришёлся на XIX — начало XX столетия. В основе увлечения деятелей искусства фольклорными мотивами — всплеск научного и общекультурного интереса к устному народному творчеству. Вслед за учёными и исследователями композиторы, художники, писатели, поэты и драматурги обратились к былинам, сказкам и легендам.
Первые научные издания о русском фольклоре появились в 1830–1840-е. В начале 1860-х этнограф и писатель Владимир Даль выпустил работу «Пословицы русского народа». Ещё один важный сборник — восьмитомник «Народные русские сказки», выходивший с 1855 по 1863 год. Над этим сборником работал Александр Афанасьев, а помогал ему всё тот же Владимир Даль — этнограф передал около тысячи записанных им сказок. Выход каждого тома сопровождал широкий общественный резонанс. Собрав лучшее, что было в архиве Русского географического общества, личных архивах Даля и других собирателей фольклора, Афанасьев опубликовал в одном только первом томе около 600 текстов. Конечно же, такой колоссальный труд не остался незамеченным — он послужил отличной базой для дальнейших научных исследований и вдохновил многих живописцев, композиторов, художников и литераторов осмыслить реальность сквозь призму национальной культуры.
Кто они — самые известные сказочники в русском искусстве? В чём их своеобразие? Почему их вклад в искусство так важен? Как их работы повлияли на современное восприятие сказки? «Лаврус» предлагает разобраться в этом и узнать больше о художниках, чьи работы представлены на выставке «Русская сказка. От Васнецова до сих пор» в Западном крыле Новой Третьяковки.
Михаил Врубель (1856–1910)
Михаил Врубель был очень многогранным художником. Модернист, участник Абрамцевского кружка, символист и мистик, приверженец британского движения Arts and Crafts — каждая из этих характеристик предлагает ключи к пониманию его наследия, но не делает его личность менее загадочной. Каждый этап его деятельности связан с историей формирования особого взгляда на мир.
Выпускник Императорской Академии художеств, один из любимых учеников знаменитого преподавателя и художника Павла Чистякова, Михаил Врубель обладал особым пониманием завершённости композиционного замысла, очень лично проживал сюжеты своих произведений и умел в живописи передать самые глубокие чувства. Знаток византийского искусства иконописи, он обращался на протяжении почти всей жизни к библейским и мифологическим образам.
Конечно же, поэтичность русской сказки не могла не взволновать художника. Михаила Врубеля влекла глубина фольклора, тесная связь с окружающим миром и человеком… Врубель видел в сказке не тему и не жанр, и не ответ на запросы времени, но в первую очередь неповторимую реальность. Пытаясь запечатлеть эту реальность, художник максимально приближает сюжет к зрителю.
В 1890–1900-е Михаил Врубель создал сказочный цикл, который максимально полно раскрыл гений художника. Монументальные произведения и графические наброски, объединённые эстетическим замыслом, самобытное авторское прочтение делают образы мифологических персонажей очень яркими, наделяя их чувственностью и узнаваемостью. Художник сократил дистанцию между мифом и реальностью, и сказочные персонажи обрели черты реальных людей.
Одной из поворотных работ для развития карьеры Врубеля стало панно «Принцесса Грёза», написанное по мотивам одноимённой драмы в стихах Эдмона Ростана. Примечательна история создания этой работы. Михаил Врубель сделал два панно для Всероссийской промышленной выставки в Нижнем Новгороде, однако комиссия Академии художеств работы не приняла. Тогда меценат Савва Мамонтов, который курировал производство панно, решил построить для произведений художника отдельный павильон. Конечно же, такой ход привлёк внимание к молодому талантливому автору. «Принцесса Грёза» воспевает совершенную красоту и идеал, за приближение к которым пришлось поплатиться жизнью. Поражающее своим масштабом поэтическое произведение поначалу было холодно встречено публикой и критиками. Работу ругали за чрезмерную «декоративность», говорили, что автор не чужд «украшательства». Однако сейчас «Принцесса Грёза» занимает ключевое вместо в отдельном, врубелевском зале Третьяковской галереи.
Знаменитое полотно «Пан» считается венцом сказочного цикла. Здесь Врубель демонстрирует свои представления о красоте, которые идут вразрез с классическими канонами. Заданная ещё древнегреческим искусством гармоничная соразмерность пропорций, подтверждающая целостность идеи, уходит в тень, уступая место эфемерности и недосказанности.
Картина «Царевна-Лебедь» — одна из самых известных и одновременно наиболее загадочных работ Михаила Врубеля. Например, до сих пор идут споры о том, кто позировал для этого полотна. Некоторые специалисты считают, что Врубель писал прекрасную деву вовсе не со своей жены, оперной певицы Надежды Забелы-Врубель, хотя именно она играла роль Царевны-Лебедь в «Сказке о царе Салтане». Нашли в этой картине отражение и личные переживания художника, виден и отпечаток его душевной болезни. Интересно то, как именно изобразил художник деву — в момент превращения, когда человеческое уступает звериному. Быть может, поэтому в лице царевны заметны дикие и даже демонические черты. Работа над «Царевной-Лебедь» позволила Врубелю найти импульс для работы над «Демоном».
Тема демона для Михаила Врубеля носила глубоко личный характер и раскрывалась во множестве эскизов, набросков и вариантов. Наиболее известным в ряду «демонов» стал «Демон поверженный».
От другого «демонического» полотна — «Демон летящий» — сохранился лишь неоконченный холст (именно он представлен в Третьяковке). Врубель множество раз переписывал лицо демона, делая его то грозным, то задумчивым, то злым, то безразличным. Считается, что именно душевный недуг остановил творческие поиски Врубеля.
В 1890-е Михаил Врубель был близок Абрамцевскому кружку и увлекался майоликой — разновидностью керамики. Художник переносил живопись на керамическую поверхность, придавая изображению некую угловатость и почти импрессионистический шарм. Среди сказочных сюжетов майолик Врубеля спор Садко с морским царём. Эту сцену художник разрабатывал несколько раз.
Виктор Васнецов (1848–1926)
Ученик Вятского духовного училища, Виктор Васнецов с ранних лет впитал в себя красоту и многообразие русской природы. Визионер, обладающий поразительным художественным чутьём, он оставил значительный след в истории искусства XIX века в России.
Поступить в Императорскую Академию художеств будущему живописцу удалось не с первого раза. Однако став наконец студентом, Васнецов немедленно оказался в эпицентре художественной жизни своего времени.
Виктор Васнецов подавал большие надежды — педагог академии Павел Чистяков, увидев эскиз молодого художника, отметил в нём «что-то необыкновенно русское, глубоко русское», а критик Владимир Стасов отмечал интерес живописца к мировой культуре. Художник и критик Александр Бенуа видел в художнике мастера силы не меньшей, чем Илья Репин, а Иван Крамской, создатель Артели художников, где подрабатывал юный Васнецов, поражался умению схватывать определённые типы людей.
Язык Васнецова сформировался во многом благодаря Товариществу передвижных художественных выставок, но было бы ошибкой полагать живописца передвижником как таковым. У передвижников народ буквально становился соучастником происходящего на полотне — образы Васнецова в куда меньшей степени подчинены идее сопереживания народу. Он стремился воплотить в фольклорных образах русскую национальную идентичность. Художник в духе передвижничества пробудил интерес к народному творчеству, сказочными сюжетами внёс в реализм новую поэтику.
Сказочный мир Виктора Васнецова кажется очень реальным, близким нам. Сказка совсем рядом, она живёт не только на страницах книг. Лиричная, печальная «Алёнушка», гордые, преисполненные важности «Три царевны подземного царства» (они отчасти символизировали торжество промышленных успехов страны), дерзновенный, бесстрашный Иван-царевич — герой «Ковра-самолёта»… Все эти герои кажутся очень настоящими. Работы художника отличают психологизм, который органично сочетается с волшебной атмосферой. Природа лирична и задушевна и зачастую передаёт оттенки психологического образа героев картин.
В 1882 году Виктор Васнецов по просьбе промышленника Саввы Мамонтова создал полотно «Витязь на распутье» — одно из самых известных своих произведений. В 1897 году художник написал «Ивана-царевича на Сером Волке». Сюжет этой картины стал одним из центральных в творчестве живописца.
Виктор Васнецов был не только художником, но и архитектором. Вместе с Василием Поленовым он спроектировал церковь Спаса Нерукотворного в Абрамцеве. Кроме того, Васнецов — основоположник неорусского стиля. В этом стиле выполнен его собственный дом (ныне Дом-музей Виктора Васнецова) и фасад главного здания Третьяковской галереи.
В поздние годы своей жизни художник приступил к циклу картин «Поэма семи сказок». Среди полотен этого цикла «Царевна-лягушка», «Спящая царевна» и «Кащей Бессмертный».
Елена Поленова (1850–1898)
Любительница русской старины, одна из первых книжных иллюстраторов, живописец, мастер декоративно-прикладного искусства, основоположница целого музея — Елена Поленова, как и её брат Василий Поленов, была талантливым и разносторонним человеком.
С ранних лет Елена проявляла интерес к рисованию. Первые уроки девочка получила от своей матери — художницы Марии Алексеевны, а в возрасте девяти лет уже училась у пейзажиста Павла Чистякова. К сожалению, путь в Императорскую Академию художеств был закрыт для Елены — туда не брали женщин. Однако юная художница не оставила своей мечты и поступила в Рисовальную школу Общества поощрения художеств, которой руководил идеолог передвижников Иван Крамской. Позднее Елена отправилась в Париж, где училась у французского художника и гравёра Шарля Шаплена. Несмотря на учёбу за границей, художницу всегда интересовали исконно русские сюжеты и старина. Визуальный язык Поленовой самобытный, берущий своё начало из народного промысла.
Многие русские народные сказки были проиллюстрированы иностранными художниками — это не нравилось Елене, и она решила создать собственную серию сказочных работ. Художница стремилась передать «красоту поэзии древнерусского склада», а потому уделяла большое внимание мельчайшим деталям в прорисовке сказочных сюжетов, где просматриваются и восточные, и северные настроения и орнаменты. Елена Поленова проиллюстрировала «Войну грибов», а также более двух десятков самых разных сказок, среди которых и сказка о сынке Филипко.
Художница занималась не только книжной иллюстрацией — она делала графику, серьезно увлекалась резьбой, оформляла иконы, обдумывала архитектурные орнаменты. Вместе с женой известного коллекционера Саввы Мамонтова Елизаветой Григорьевной в Абрамцеве задумала создать Музей русской народной культуры. В 1885 году основала мастерские народного творчества для обучения крестьян и их детей народным ремёслам.
У Елены Поленовой было множество планов и идей, в том числе ей предстояло оформить Русский павильон на Всемирной выставке в Париже в 1900 году, однако в 1898 году жизнь художницы оборвалась. Смерть Елены стала сильным ударом и для её брата, и для всего окружения талантливой художницы.
Иван Билибин (1876–1942)
Ивана Билибина можно смело назвать главным сказочным иллюстратором. Более того, его непревзойдённая манера, переосмысляющая традиции народного искусства, сыграла важнейшую роль в становлении книжной графики. Художник посещал Рисовальную школу Общества поощрения художеств, руководителем которой был передвижник Иван Крамской. Билибин никогда не скрывал, что на его творческое становление сильно повлияло Товарищество передвижных выставок. Однако в дальнейшем путь художника неотрывно связан с объединением «Мир искусства», с которым он поддерживал связь на протяжении долгих лет. Он сотрудничал с главными художественными журналами, альманахами и сборниками, начиная от «Мира искусства» и заканчивая «Весами» и «Открытым письмом». В этом первом русском периодическом издании об открытках выпускают графическую серию открыток Билибина по мотивам русского фольклора. Надо сказать, в конце XIX века в России наблюдается настоящий расцвет графики малых форм — театральные программки и пригласительные билеты, книжные и журнальные иллюстрации создавали лучшие художники. «Обложка» и адресная сторона открытых писем также становится медиумом для признанных мастеров, таких как Леон Бакст, Михаил Добужинский, Евгений Лансере, Георгий Нарбут, Сергей Чехонин и, конечно, Иван Билибин.
В 1900 году Иван Билибин показывает свои акварели на второй выставке «Мир искусства». Он становится постоянным художником и автором журнала «Мир искусства», который выпускался с 1898 по 1904 год. Художник считался одним из главных знатоков русской старины, и его графика, полная множества архаичных деталей, была в то же время изысканна и прогрессивна, а в целом привносила в журнал эстетику русского фольклора. В1904 году вышел тематический номер журнала «Мир искусства», полностью оформленный Билибиным. Художник сделал серию иллюстраций, начиная с обложки, и написал статью «Народное творчество Севера».
Как и многие мирискусники, художник после революции оказался в Европе, в 1925 году в Париже работал над оформлением опер и балетов. Жизнь за границей была не так щедра к русским художникам, и со временем Билибин решил сотрудничать c Советским Союзом. В 1935–1936 годах он участвует в оформлении советского посольства в Париже, создаёт монументальное панно «Микула Селянинович» и в1936 году на теплоходе «Ладога» возвращается в Ленинград. Он начинает преподавать в Институте живописи, скульптуры и архитектуры, ставит в Театре оперы и балета имени С. М. Кирова оперу Н. А. Римского-Корсакова «Царь Салтан». Иван Билибин создаёт иллюстрации к «Сказке об Иване-царевиче, Жар-птице и о Сером Волке», «Сказке о царе Салтане», «Сказке о Золотом Петушке», русским былинам; оформил оперу «Золотой Петушок», балет «Жар-птица». Кроме того, художник увлекался иконописью. Последняя его работа — серия иллюстраций к киевским былинам.
Cкончался Иван Билибин в блокадном Ленинграде в 1942 году.